Poésie graphique aimée par du Ressac

« au moins, j'aurai essayé » | « Jimmy Beaulieu est né à l’Île d’Orléans (Québec) en 1974. De 1989 à 1999, il s’est bien amusé et a fait de la musique avec des machines. De 1999 à 2009, il a travaillé dans l’édition de bande dessinée en dirigeant les collections qu’il a fondées Mécanique générale et Strips (Les 400 coups) en plus de Colosse, sa propre étiquette. C’est au sein de ces collections qu’il a publié ses premiers livres (Le moral des troupes, Ma voisine en maillot, Quelques pelures). Entretemps, il a été libraire (Pantoute, Fichtre !), critique (Radio-Canada), commissaire d’expositions, traducteur (Clumsy, de Jeffrey Brown, et adaptation en joual des dialogues de Magasin général, de Loisel & Tripp), animateur d’atelier (cégep du Vieux-Montréal), animateur de revue (Formule) et à l’occasion, mercenaire du dessin (La courte échelle, Stanké, Soulières). Depuis 2009, il se consacre à sa pratique d’auteur (À la faveur de la nuit, Comédie sentimentale pornographique). En 2019, il va probablement se lancer dans le bas-relief ou la plomberie. » Artiste BD

« Fred Jourdain est principalement reconnu pour ses romans graphiques et ses illustrations originales. Il a su se démarquer en transmettant à ses œuvres une profondeur remarquable, résultat direct de sa recherche abondante et de son trait méticuleux, franc et unique. Ses illustrations de l'album Le Dragon Bleu, un best-seller maintenant traduit en anglais, ont fait l'éloge de la critique et du public, et lui ont valu deux nominations aux Joe Shusters (Canadian comic book awards) dans les catégories « Dessinateur exceptionnel » et « Dessinateur de page couverture exceptionnel », ainsi qu'une double nomination aux prix Bedelys pour le Bedelys Quebec et le Bedelys Monde. Il a par ailleurs remporté le prix Bédéis Causa - Réal Fillion, présenté par le festival de bande dessinée de Québec et remis à l’artiste pour souligner son premier album. Pendant que ses expositions d'oeuvres grand format sont l'objet d'une anticipation sans cesse grandissante, Jourdain continue d'aspirer à faire évoluer son art en abordant des thèmes nouveaux et en peaufinant sa maîtrise du dessin et de la composition. Il a aussi réalisé des oeuvres de commande pour plusieurs clients notables dans le passé, tels que Audiogram, Le musée de la civilisation de Québec, Roi Ponpon, Dare to Care, Hydro-Québec, Le Capitole de Québec, Ex Machina et Safarir. »

Brian Wood released his first series, Channel Zero, in 1997 to considerable critical acclaim and has continued to produce comics and graphic novels at a brisk pace ever since. Focusing almost entirely on creator-owned works, he’s become one of the most notable creators of the last decade. He’s earned multiple Eisner Award nominations and editions of his work have been published in close to a dozen foreign languages. He is most known for original series such as DMZ, Northlanders, Demo, and Local. Starting in 2012, Wood kicked off the second major phase of his career with the original series' The Massive, Anthem, and Mara, as well as Star Wars and Conan The Barbarian for Dark Horse Comics and The X-Men for Marvel. Brian lives with his wife and two children in Brooklyn, NY.

Laurence Nerbonne is recognized for her sharp brushstrokes exhibiting a maturity far beyond her 27 years of age. Born in the Outaouais, and now living in Montreal, this self-taught artist focuses on the human face as her visual inspiration, as such; it is now the central point of her work. Beginning by photographing live models, Nerbonne uses acrylic paints to bring to life portraits of large dimension. She carefully chooses subtle yet powerful colors to express the emotional landscape of each of her subjects. Her canvases are inhabited by characters that emerge from the surrounding darkness, bathed in a fixed light. Her use of shadows creates a powerful contrast of light and dark, which conveys a striking portrait wrought with emotion. The subjects, male, female, or child, carry a raw humanity rooted in their intense gaze. Nerbonne captivates the viewer creating an intimate, personal connection through the authenticity and rawness of her characters. It is in the stripping down of their identity that Nerbonne reveals the characters true natural state, as her inspiration affirms, "The face carries the mark of the soul that it hides." In Out of Site, Nerbonne questions the limitations of traditional icons and models, whether popular or religious. This has led Nerbonne to isolate these figures away from standard referential details, questioning their role in society; all the while understanding that these icons cannot fully be removed from existing frameworks. Through careful scrutiny, and observational skills, Nerbonne paints beyond the superficial, and captures the very essence of her models. Nerbonne gives life to her large-scale canvasses, manipulating light and shadow to create a palpable intimacy between subject and viewer; the face becomes a landscape, summoning the viewer to explore. The ultimate search for the artistic identity of her work continues, focusing on portraying raw emotion outside of the structured confines.

La pomme ne tombe jamais loin de l’arbre : le père et la mère de Félix étant tous deux artistes peintres, c’est en les observant et en passant du temps dans l’atelier familial que Félix a appris les bases du dessin et de la peinture. Cet intérêt marqué pour la création a conduit Félix à développer très vite des habiletés en dessin qui ont ensuite évoluées vers la peinture. Les premières expositions de Félix en 2007, alors âgé de 18 ans, l’ont fait connaître du public Québécois et lui ont permis, par l’entremise d’un mécène et ami, de s’envoler vers l’Europe pour y vivre une année d’apprentissage et de création : basé à Lyon, en France, Félix a enrichi sa formation par l’observation des œuvres des grands maîtres dans les vieux musées et a voyagé dans plusieurs pays. Il a également profité de cette occasion pour réaliser quelques petites expositions dans différents endroits en France et en Allemagne. Une fois de retour au Québec, Félix a poursuivi son travail de peintre et d’illustrateur et a également décidé d’entreprendre une formation universitaire en architecture afin d’ajouter une corde à son arc et d’étendre son domaine d’action. Il complétera son baccalauréat en architecture en 2011 en Finlande. Peinture Felix peint des œuvres à l’acrylique qui se présentent comme une multitude d’images tirées d’un même univers qui emprunte certains éléments au réel tout en étant parfaitement imaginaire et qui se construit par le biais de la caricature et de la déformation. < http://www.felixgirard.com/felixwp/?page_id=2 >

Since appearing on the scene as one of a new generation of artists with sculptural roots, Odani Motohiko has continued to create works of monstrous beauty that excite painful sensations in the viewer. This year, a decade after his debut, this artist also renowned for the sheer diversity of his work, which encompasses video and photography as well as three-dimensional forms, will once again begin to channel his energies seriously into sculpture. "Looking back," Odani says, "I think that having been churning out sculpture like there was no tomorrow, I eventually found myself in a dilemma over the number of resources I actually had to draw on within myself and the direction my output was taking, and as familiarity began to breed contempt with sculpture, I backed off a little and incorporated various other media. At some level though I've always felt a need to return to sculpture, and for the past three years I've been sharpening up my act again in readiness, both technically and mentally." The new sculptures exhibited at this summer's SP2 New Born, Odani's first solo show in three years, while on the one hand resembling fossil specimens from some otherworldly creature, with their swirling spirals and soaring dragon-like designs can also be seen as an expression of the artist's powerful intent. A disquieting dynamism born out of prodigious precision. At this opening of a new chapter in his artistic development, Odani was drawn to Italian Futurist painter and sculptor Umberto Boccioni's view of sculpture. "Right now I have this strong Futurist interest in how to capture the concepts of movement and transformation, dynamism and speed in sculpture. I can really relate to Boccioni's assertion that modern sculpture was a 'dead art', and his concern with regenerating it. Although in my case we're talking about taking a fresh look at the history of sculpture in Japan. I'm not sure if calling it slow to evolve is quite the right phrase, but I do sense a lack of historical continuity and attempts at comparison. I'd like to head somewhere different to that, in the shortest possible distance." Boccioni et al.'s "Technical Manifesto of Futurist Painting" stated that "The gesture which we would reproduce on canvas shall no longer be a fixed moment in universal dynamism. It shall simply be the dynamic sensation itself." But can a world changing at a speed to paralyze the senses engender such expression? The present and future Odani sees now encompass a different set of hopes and uncertainties to those of artists at the beginning of the 20th century. Will the spirals he carves rise to become the nucleus of sculptural expression, and will he strike out boldly from that nucleus? It will be worth watching to find out. Odani notes, "Some of the works I'll be presenting from here on people will find easy to relate to; others will be too understated for most tastes (laughs). But I'll make them all, because every one will be essential to the overall picture of my project. I used to find that idea of an everchanging, impalpable style appealing, but now I want to concentrate on the things I ought to be doing, the things only I can do. The result I hope will be works that like the Buddhist statues of the past will be capable of communicating with people for centuries to come." TEXTE: Uchida Shinichi < http://www.art-it.jp/e_interview05.php >

Ses traits son précis, une imagerie graphique, réaliste, profonde; sur laquelle se posent une matière brute par des gestes saccadés, brusques et instinctifs. Une valse entre le réel et l’imaginaire, le vrai et le faux, le remède et le poison. Des personnages séduisants aux airs mélancoliques et énigmatiques. Ils se révèlent à nous dans un subtil érotisme et se dévoilent dans la profondeur de leur regard comme si on entrait dans l’intimité de leur chambre à coucher. Les yeux deviennent narrateurs des tableaux, ils racontent l’âme et l’histoire de ces femmes qui tentent de se libérer quotidiennement des Cages imposées par la société. Originaire des Laurentides et Bachelière en Arts Visuels et Médiatique de l’UQAM cette jeune artiste autodidacte vît et travaille maintenant à Montréal depuis quelques années. Elle expose son travail notamment dans le Vieux Port de Montréal ainsi qu’à San Francisco en Californie. ... The series "cages" is about women trying to find freedom from the cages of society's twisted preconceptions of what a woman should or shouldn't be. These women encased in these cages of brash imposing paint that masks their very personhood symbolises the struggle that women go through with having these cages of this expectation of false beauty and perfection on them and of the limitations society places on them, corrupting what truly makes women beautiful by putting them in these prisons of identity. The way that the artist paints the soul that emanates from the subjects gaze creates an engaging story you can't pull yourself away from and you just get lost in it. She uses loose and heavy textures of paint that make the woman seem to be emerging from the surreal world within the canvas_ B. Pifer A dance between reality and imagination, truth and deception, cure and poison. Holder of a bachelor degree in Visual Arts and Media from UQAM this young self-taught artist is living and working in Montreal since the last couple of years. Her work is shown in the Old Port of Montreal as well as in San Francisco California. < http://www.sandrachevrier.com/bio >

Né à Ottawa, Canada. Ses oeuvres sont vues et collectionnées dans plusieurs pays par les musées, galeries, et par des collections publiques, muséales et privées. Il vit et travaille entre Montréal et Brooklyn (New York). < http://www.marcseguin.com/fr/bio.html >

Vasarely is widely regarded as the father of Op-Art. He is a major master of 20th century art. His paintings are in the permanent collections of many important museums around the world. During the 1960’s and 70’s his optical images became part of the popular culture, having a deep impact on architecture, computer science, fashion, and the way we now look at things in general.  Even though he achieved great fame he insisted on making his art accessible to everyone. His motto was “Art for all”. The breakthrough brought by his “kinetic” visual experiments transformed the flat surface into a world of unending possibilities, book marking an era in the history of art  and foreshadowing a new global reality shaped by programming and the Internet. I have selected some of the most beautiful and significant works from museum and private collections around the world, which can now bee seen in one single “virtual” space for the first time. I invite you to meet the true Victor Vasarely, throughout all his different periods, from early figure and nature based paintings to his reality- defying pure geometric abstraction that has become a synonym of his name. < http://www.vasarely.com/site/site.htm >

On voit ses graffitis un peu partout: sur les murs de la ville, dans les toilettes publiques, dans les bars. Evoquant les personnages androgynes de Cocteau, ses dessins aux lignes simples tatouent sur la brique et sur le béton des visages angéliques. Aux quatre coins de Montréal, là où vous vous y attendez le moins, il persiste à parfumer notre morosité de poèmes en aérosol. De grands yeux, l'arête d'un nez et des lèvres larges comme un bonheur tranquille: telle est sa signature. < http://www.conseildesarts.org/artiste/Zilon.html >

1904 Il naît le 11 mai à Figueres (Gérone). Fils du couple formé par le notaire Salvador Dalí Cusí et Felipa Domènech Ferrés. 1908 Naissance de sa sœur unique, Anna Maria. Son père l’inscrit à l’École publique maternelle de Figueres, avec le maître Esteban Trayter. 1910 Deux ans plus tard et, au vu de l’échec de cette option, son père décide de l’inscrire au collège hispano-français Inmaculada Concepción de Figueres, où il apprend le français, sa future langue de culture. 1916 Il passe une période aux alentours de Figueres, dans la propriété El Molí de la Torre, de la famille Pichot – famille d’intellectuels et d’artistes – où, grâce à la collection que possède le peintre Ramon Pichot, il découvre l’impressionnisme. Après une scolarité primaire médiocre, il commence, en automne, ses études secondaires au collège des Frères Maristes et au Lycée de Figueres. Il assiste également aux classes du professeur Juan Núñez à l’École municipale de dessin de Figueres. Au cours de cette année et de la suivante, Salvador Dalí dessine des contes pour sa sœur lorsque celle-ci est malade. 1919 Il participe à une exposition collective dans les salons de la Societat de Concerts, au Théâtre municipal de Figueres (futur Théâtre-musée Dalí). Avec un groupe d’amis du lycée, il fonde la revue Studium, où il publie ses premiers écrits. Il commence un journal personnel sous le titre Mes impressions et souvenirs intimes, qu’il continue l’année suivante. 1920 Son père lui impose, comme condition pour être peintre, d’aller étudier à Madrid, à l’École des beaux-arts, afin d’obtenir un diplôme de professeur. Dalí l’accepte. 1921 En février, sa mère meurt. L’année suivante, son père épouse Catalina Domènech Ferrés, sœur de la défunte. 1922 Il participe au Concours-exposition d’œuvres d’art originales d’étudiants, de l’Association catalane d’étudiants, qui se tient aux Galeries Dalmau de Barcelone, où son œuvre Marché reçoit le prix du Recteur de l’Université. À Madrid, il suit ses études à l’École spéciale de peinture, sculpture et gravure (Real Academia de Bellas Artes de San Fernando) et il habite à la Residencia de Estudiantes. Il s’y lie d’amitié avec un groupe de jeunes qui, avec le temps, deviendront d’importantes personnalités intellectuelles et artistiques : Luis Buñuel, Federico García Lorca, Pedro Garfias, Eugenio Montes et Pepín Bello, entre autres. 1923 Il est expulsé de l’Académie de San Fernando, accusé d’avoir mené une révolte étudiante contre la non-concession au peintre Daniel Vázquez Díaz de la chaire de Peinture de l’École. Il revient à Figueres, où il reprendra ses classes avec Juan Núñez, qui l’instruit dans la modalité de la gravure. 1924 En automne, il revient à l’Académie où il se voit obligé à redoubler son année. 1925 Il participe à la Ie Exposition de la Société des artistes ibériques à Madrid et sa première exposition individuelle est présentée aux Galeries Dalmau de Barcelone. C’est son époque de rejet de l’avant-garde et de recherche d’une tradition picturale, essentiellement italienne. Durant cette année scolaire, 1925-1926, il ne revient pas à l’Académie de San Fernando. Federico García Lorca passe ses vacances avec Dalí à Cadaqués. 1926 Il participe à plusieurs expositions qui se tiennent à Madrid et Barcelone. En compagnie de sa tante et de sa sœur, il réalise son premier voyage à Paris, ville dans laquelle il fait la connaissance de Picasso et visite le Musée du Louvre. Il est expulsé définitivement de l’École des beaux-arts de Madrid pour avoir déclaré incompétent le jury qui doit l’examiner. Il revient de nouveau à Figueres et se consacre intensément à peindre. 1927 Il réalise sa deuxième exposition individuelle aux Galeries Dalmau de Barcelone et participe au IIe Salon d’automne de la Salle Parés de cette même ville. Dans les œuvres présentées apparaissent les premières influences claires du surréalisme. Il commence, avec la publication de l’article « San Sebastián » consacré à Lorca, une collaboration régulière et large avec la revue d’avant-garde L’Amic de les Arts qui se poursuivra jusqu’en 1929. 1928 Avec Lluís Montanyà et Sebastià Gasch, il publie le Manifeste jaune (manifeste antiartistique catalan) qui suppose une dure attaque à l’art conventionnel. Il participe au IIIe Salon d’automne de la Salle Parés et à la XXVIIe Exposition internationale de peintures de Pittsburgh (États-Unis). 1929 Il se rend de nouveau à Paris et, au travers de Joan Miró, il entre en contact avec le groupe des surréalistes, dirigé par André Breton. Le film Un chien andalou, fruit de sa collaboration avec Luis Buñuel, est projeté au cinéma Studio des Ursulines de Paris. Il passe l’été à Cadaqués, où il reçoit la visite du galériste Camille Goemans et sa compagne, de René Magritte et son épouse, de Luis Buñuel, de Paul Eluard et Gala, avec la fille de ces derniers, Cécile. À partir de ce moment-là, Gala restera pour toujours à ses côtés. Sa première exposition individuelle a lieu à la Galerie Goemans de Paris. C’est l’année de la rupture familiale. 1930 L’Âge d’or, le deuxième film réalisé en collaboration avec Buñuel, passe en exclusivité au Studio 28 de Paris. Éditions Surréalistes publie son livre La femme visible, un recueil de textes qui avaient été publiés dans différentes revues, comme L’âne pourri, dans lequel sont établies les bases de sa méthode paranoïaque-critique. Au début de la décennie des années trente, Dalí trouve son propre style, son langage particulier et la forme d’expression qui l’accompagneront toujours et, bien qu’il change et qu’il évolue, ce seront, dans le fond, ceux que nous connaissons tous et qui le définissent si bien. Un mélange d’avant-garde et de tradition. Ses premières toiles impressionnistes restent en arrière, ainsi que ses œuvres influencées, entre autres mouvements, par le cubisme, le purisme et le futurisme. Dalí est complètement intégré dans le surréalisme et c’est le début de sa consécration comme peintre. 1931 Il réalise sa première exposition individuelle à la Galerie Pierre Colle de Paris où il expose son œuvre La persistance de la mémoire. Il participe à la première exposition surréaliste aux États-Unis qui a lieu au Wadsworth Atheneum de Hartford. Son livre L’amour et la mémoire est publié. 1932 Il participe à l’exposition Surréalisme : peintures, dessins et photographies, de la Julien Levy Gallery de New York. Sa deuxième exposition individuelle a lieu à la Galerie Pierre Colle de Paris. Son livre Babaouo, dans lequel il expose sa conception du cinéma, est publié. À la fin de cette année, Dalí annonce au vicomte de Noailles la création du « groupe du Zodiaque », un groupe d’amis qui s’unissent pour aider économiquement Salvador Dalí, en lui commandant des œuvres qu’ils achètent régulièrement. 1933 Le premier numéro de la revue Minotaure de Paris publie le prologue du livre – qui restera inédit jusqu’en 1963 – Interprétation paranoïaque-critique de l’image obsédante « L’Angélus » de Millet. Il participe à l’exposition surréaliste collective de la Galerie Pierre Colle, dans laquelle il présente également sa troisième exposition individuelle. Première exposition individuelle à la Julien Levy Gallery de New York. 1934 Il épouse civilement Gala (née Elena Ivanovna Diakonova). Il expose à l’Exposition du cinquantenaire au Salon des Indépendants du Grand Palais de Paris, sans prendre en compte l’opinion du reste des surréalistes qui avaient décidé de ne pas y participer, un fait qui suppose pratiquement son expulsion du groupe dirigé par Breton. Il réalise sa première exposition individuelle à la Zwemmer Gallery de Londres. Il embarque avec Gala à bord du Champlain pour effectuer son premier voyage aux États-Unis. Deux expositions individuelles de Dalí sont réalisées : l’une à la Julien Levy Gallery et l’autre à l’Avery Memorial du Wadsworth Atheneum, Hartford (Connecticut). 1935 Le couple rentre en Europe à bord du Normandie. En mars, Salvador Dalí se déplace à Figueres où a lieu la réconciliation familiale. Éditions Surréalistes publie son livre La conquête de l’irrationnel. 1936 En mai, il participe à l’Exposition surréaliste d’objets à la Galerie Charles Ratton de Paris. En juin, il participe à l’Exposition surréaliste internationale qui se tient aux New Burlington Galleries de Londres. Le 14 décembre, la revue Time lui consacre sa couverture, la photo est de Man Ray. Il participe à l’exposition Surréalisme dadaïsme fantastique au MoMA de New York. C’est à la Julien Levy Gallery de New York que se tient sa troisième exposition individuelle. 1937 En février, il fait la connaissance des frères Marx à Hollywood. Il commence à travailler avec Harpo sur le scénario d’un film, Salade de girafes à cheval (connu dans sa dernière version comme La femme surréaliste), qui n’arrivera jamais à être tourné. Dalí et Gala rentrent en Europe. Éditions Surréalistes publie son poème Métamorphose de Narcisse que le galériste Julien Levy édite en même temps en anglais. 1938 Le 17 janvier a lieu l’inauguration à la Galerie Beaux-Arts de Paris de l’Exposition internationale du surréalisme, organisée par André Breton et Paul Eluard. À l’entrée de la galerie, le Taxi pluvieux de Salvador Dalí est exposé. Dalí rend visite à Sigmund Freud à Londres. 1939 Au mois de mars, son exposition individuelle est présentée à la Julien Levy Gallery. Il dessine le pavillon Rêve de Vénus, qui est présenté dans la zone de divertissement de la World’s Fair de New York. Au Metropolitan Opera House de New York, le ballet Bacchanale est représenté pour la première fois avec livret, costumes et décors de Salvador Dalí et chorégraphie de Léonide Massine. L’article de Breton « Des tendances les plus récentes de la peinture surréaliste » suppose l’expulsion de Dalí du groupe surréaliste. En septembre, le couple rentre de nouveau en Europe. 1940 Avec l’incursion des troupes allemandes à Bordeaux, le ménage Dalí s’en va vivre aux États-Unis, où ils resteront jusqu’en 1948. 1941 Son intérêt dans la création de bijoux s’éveille, lequel se poursuivra tout au long de sa carrière. Dalí entame sa relation professionnelle avec le photographe Philippe Halsman qui continuera jusqu’à la mort de celui-ci en 1979. Il expose à la Julien Levy Gallery de New York. Le 8 octobre, les Ballets Russes de Monte-Carlo représentent pour la première fois au Metropolitan Opera House Labyrinthe, avec livret, décors et costumes de Dalí, chorégraphie de Léonide Massine et musique de Schubert. Le MoMA de New York inaugure le 18 novembre une exposition anthologique de Dalí et Miró. 1942 La maison d’édition Dial Press de New York publie La vie secrète de Salvador Dalí achevée l’année antérieure. 1943 En avril, le couple Reynolds Morse achète le premier tableau de Dalí, c’est le début d’une importante collection d’œuvres du peintre. En mai, il conçoit un nouveau ballet, Café de Chinitas, sur la base d’une histoire réelle adaptée par Federico García Lorca, qui est représentée à Detroit et au Metropolitan Opera House de New York. 1944 En octobre, à l’International Theatre de New York, le Ballet international présente Colloque sentimental avec des décors de Dalí. Dial Press publie le premier roman de Dalí, Visages occultes. Le 15 décembre, Tristan fou, premier ballet paranoïaque sur le mythe éternel de l’amour dans la mort est représenté pour la première fois à New York. L’argument de Dalí est fondé sur les thèmes musicaux de Tristan et Iseult de Wagner. 1945 Il se rend à Hollywood pour travailler avec Alfred Hitchcock dans le film La maison du docteur Edwards dont il réalise les séquences oniriques. L’exposition Peintures récentes de Salvador Dalí est inaugurée à la Bignou Gallery. En cette occasion, il présente le premier numéro du Dalí News, qu’il édite lui-même et où il ne parle que de son personnage et de son œuvre. 1946 Il réalise les illustrations de différentes œuvres : L’autobiographie de Benvenuto Cellini et Macbeth de Shakespeare éditées par Doubleday ; Première partie de la vie et des exploits du célèbre don Quichotte de la Manche de Miguel de Cervantès publiée par Random House de New York. Walt Disney engage Dalí pour qu’il l’aide dans la production du film Destino. 1947 Doubleday publie les Essais de Michel de Montaigne, choisis et illustrés par le peintre. 1948 Il publie 50 secrets magiques pour peindre. En juillet, les Dalí rentrent en Espagne. 1949 À la fin de la décennie des années 40, il commence son étape mystique et nucléaire –dont il expose le corpus dans son Manifeste mystique – caractérisée par le traitement des thèmes religieux et de ceux rattachés aux découvertes scientifiques de l’époque. Il se montre particulièrement intéressé par les progrès relatifs à la fusion et à la fission nucléaires. Dans ses créations de cette période, nous pouvons observer comment le lancement de la bombe atomique et ses effets ont une influence sur sa création. 1950 Il écrit des articles pour des medias comme Vogue, et Herald American. Il prononce la conférence « Pourquoi ai-je été sacrilège, parce que je suis mystique » à l’Ateneo barcelonais. En septembre, mort de son père. 1951 Il présente à Paris le Manifeste mystique avec des œuvres fondées sur celui-ci. Il prononce la conférence « Picasso et moi » au Théâtre María Guerrero de Madrid. 1952 - 1953 Il écrit différents articles pour des publications françaises comme: Arts, Le Courrier des lettres o Connaissance des Arts. 1954 Il expose ses dessins au Palais Pallavicini de Rome pour illustrer La divine comédie de Dante. Il réalise les illustrations de différents livres : La véritable histoire de Lidia de Cadaqués d’Eugeni d’Ors ou Ballade du cordonnier d’Ordis de Carles Fages de Climent, dont Dalí écrit également l’épilogue. 1956 Il publie son traité sur l’art moderne Les cocus du vieil art moderne. Il prononce une conférence-hommage à Gaudí au Parc Güell de Barcelone où il réalise une œuvre devant les assistants. 1958 Le 8 août, Dalí et Gala se marient au sanctuaire des Àngels, à Sant Martí Vell, près de Gérone. 1960 Il filme le documentaire Chaos et création. 1961 C’est le début de la gestation du Théâtre-musée Dalí. En août, sa ville natale lui rend hommage. 1963 Il publie son livre Le mythe tragique de « L’Angélus » de Millet, dont le manuscrit avait été perdu durant vingt-deux ans. 1964 La Grande Croix d’Isabelle la Catholique, la plus haute distinction espagnole, lui est concédée. Une grande rétrospective organisée par Mainichi Newspapers est inaugurée à Tokyo ; l’exposition parcourt ensuite différentes villes japonaises. Les Éditions de La Table Ronde publient Journal d’un génie. 1965 Inauguration de l’exposition anthologique Salvador Dalí 1910-1965 qui se tient à la Gallery of Modern Art de New York. 1966 Albin Michel de Paris publie le livre de Dalí Lettre ouverte à Salvador Dalí, avec trente-trois illustrations de l'artiste lui-même. Parution également d’Entretiens avec Salvador Dalí, livre d’entretiens réalisés par Alain Bosquet. 1968 Il participe à l’exposition Surréalisme et dadaïsme et leur héritage qui se tient au Museum of Modern Art de New York. Fruit des conversations avec Louis Pauwels, paraît le livre Les passions selon Dalí. Cette même année, Dalí de Draeger est publié, réalisé avec la collaboration du peintre et dont il écrit le prologue. 1969 Il achète le château de Púbol qu’il décore pour Gala. Dans les années 60 et 70, l’intérêt du peintre s’accroît pour la science et l’holographie, qui lui offrent de nouvelles perspectives dans sa quête constante de la maîtrise des images tridimensionnelles. Dalí étudie et utilise les possibilités des nouvelles découvertes scientifiques, surtout celles relatives à la troisième dimension. Il s’intéresse à tous les procédés qui ont pour but d’offrir au spectateur l’impression de plasticité et d’espace ; avec la troisième dimension, il aspire à accéder à la quatrième, c’est à dire, à l’immortalité. 1970 Il tient une conférence de presse au Musée Gustave Moreau de Paris où il annonce la création du Théâtre-musée Dalí de Figueres. Le Musée Boijmans-van Beuningen de Rotterdam organise pour lui une grande rétrospective, qui pourra être admirée l’année suivante à la Staatliche Kunsthalle de Baden-Baden (Allemagne). 1971 Inauguration à Cleveland (Ohio), du Musée Dalí qui accueille la collection d’A. Reynolds Morse. Il publie sous le titre Oui, une anthologie de textes de différentes époques. 1972 La première exposition mondiale d’hologrammes que Dalí a créée en collaboration avec Dennis Gabor, est présentée à les Knoedler Galleries. 1973 Au Théâtre-Musée Dalí de Figueres, un an avant son inauguration, présentation est faite de l’exposition Dalí. Son art dans les bijoux. Son livre Comment on devient Dalí, avec un prologue et des notes d’André Parinaud, est publié, ainsi que Les dîners de Gala, publié par Draeger. Le Louisiana Museum de Humlebeak organise une rétrospective de Dalí, qui est ensuite exposée au Moderne Museet de Stockholm. 1974 Il préface et illustre le livre de Sigmund Freud, Moïse et le monothéisme. Le 28 septembre, le Théâtre-musée Dalí est inauguré. 1977 La maison d’éditions Draeger publie Les vins de Gala. 1978 Il présente au Solomon R. Guggenheim Museum de New York sa première peinture hyper-stéréoscopique, Dalí soulevant la peau de la mer Méditerranée pour montrer à Gala la naissance de Vénus. 1979 Il est nommé membre associé étranger de l’Académie des beaux-arts de l’Institut de France. Inauguration de la grande rétrospective de Dalí au centre Georges Pompidou de Paris, ainsi que de l’« environnement » qui est spécialement conçu pour ce centre. En pleine décennie des années 80, il peint celles qui seront ses dernières œuvres, fondamentalement inspirées dans Michel-Ange et Raphaël, qu’il avait toujours admirés. 1980 Du 14 mai au 29 juin, une rétrospective de Salvador Dalí est présentée à la Tate Gallery de Londres, où sont montrées un total de deux cent cinquante et une œuvres. 1982 Inauguration de The Salvador Dalí Museum à St. Petersburg (Floride), propriété du couple Reynolds Morse. Le 10 juin, Gala meurt à Portlligat. Le roi Juan Carlos I le nomme Marquis de Púbol. Salvador Dalí s’installe au château de Púbol. 1983 Une grande exposition anthologique : « 400 œuvres de Salvador Dalí de 1914 à 1983 », se tient à Madrid, Barcelone et Figueres. Ses dernières œuvres picturales datent de cette période. 1984 Suite à un incendie au château de Púbol, Dalí transfère définitivement sa résidence à Torre Galatea, Figueres, où il vit jusqu’à sa mort. 1989 Il meurt à Figueres le 23 janvier 1989. Une grande rétrospective Salvador Dalí, 1904-1989 est réalisée à la Staatsgallerie de Stuttgart qui sera ensuite exposée à la Kunsthaus de Zurich. < http://www.salvador-dali.org/dali/fr_biografia.html >

Denis Jacques est né à Shawinigan en 1954. Il peint, à l’huile ou au pastel sec, des compositions où se côtoient réalisme et onirisme. Portraitiste recherché, ses œuvres font partie de plusieurs collections privées et publiques, entre autres la galerie des présidents au parlement du Québec, l’archevêché de Québec et l’Hôtel de ville de Québec. Membre d\'honneur de l’Institut des arts figuratifs du Québec. Maître pastelliste de la Société de pastel de l’est du Canada. Maître académicien au sein de l’Académie internationale des beaux-arts du Québec. Récipiendaire de nombreux prix dont le Premier Prix de l’IAF en 2002, le « Prix de la cité 2004 » à Québec et Grand prix Socrate de l\'AIBAQ Maître portraitiste, il a été choisi pour réaliser le portrait officiel de Mme Louise Harel pour l’Assemblée nationale (collection permanente, Parlement du Québec). Consultant en technique de peinture à l’huile et conservation, conférencier. DÉMARCHE ARTISTIQUE. Principalement reconnu pour la qualité et la ressemblance de ses portraits, les œuvres d’inspiration personnelles de Denis Jacques sont caractérisées par la présence du personnage lequel est peint de manière très réaliste bien qu’il évolue dans des univers imaginaires empreints d’onirisme et de références mythologiques. < Denis Jacques est né à Shawinigan en 1954. Il peint, à l’huile ou au pastel sec, des compositions où se côtoient réalisme et onirisme. Portraitiste recherché, ses œuvres font partie de plusieurs collections privées et publiques, entre autres la galerie des présidents au parlement du Québec, l’archevêché de Québec et l’Hôtel de ville de Québec. Membre d\'honneur de l’Institut des arts figuratifs du Québec. Maître pastelliste de la Société de pastel de l’est du Canada. Maître académicien au sein de l’Académie internationale des beaux-arts du Québec. Récipiendaire de nombreux prix dont le Premier Prix de l’IAF en 2002, le « Prix de la cité 2004 » à Québec et Grand prix Socrate de l\'AIBAQ Maître portraitiste, il a été choisi pour réaliser le portrait officiel de Mme Louise Harel pour l’Assemblée nationale (collection permanente, Parlement du Québec). Consultant en technique de peinture à l’huile et conservation, conférencier. DÉMARCHE ARTISTIQUE Principalement reconnu pour la qualité et la ressemblance de ses portraits, les œuvres d’inspiration personnelles de Denis Jacques sont caractérisées par la présence du personnage lequel est peint de manière très réaliste bien qu’il évolue dans des univers imaginaires empreints d’onirisme et de références mythologiques. < http://www.denisjacques.ca/index.php/bio >

Peintre autodidacte, Fré a fréquenté la scène artistique montréalaise et les galeries pendant dix ans pour parfaire son éducation. Fré a ensuite flirté du côté du cubisme, du fauvisme et de l'abstraction lyrique. Un peu de temps, l'artiste s'est imposé et a participé à plusieurs expositions solos et collectives. R.cemment l'artiste a pu non seulement faire connaître son travail ici, mais aussi en Europe. Les oeuvres de Fré se retrouvent aujourd'hui dans plusieurs collections privées et corporatives. < http://www.freart.com/#!bio-artiste >

De l’acte de peindre >>> Peindre, c’est donner de l’épaisseur à l’homme, du poids, le lester du poids de l’âme du monde. Peindre, pour ceux qui ont choisi de ne pas avoir d’autres choix que l’acte de peindre, c’est aller à la rencontre de l’improbable, de l’imprévisible, c’est porter quelque chose qui ne nous appartient pas pour le poser en un lieu qui n’existe pas encore , et là peut-être quelqu’un d’inconnu sur une trajectoire, dont nous ne savons rien, y trouvera une part de son chemin. < http://galerie-capazza.com/index.php?option=com_content&view=article&id=79:michel-madore&catid=38 >

Claire Gaboriau est née en 1968 /// Après des études artistiques à l'école des Arts Appliqués Duperré à Paris, elle mène une double carrière de costumière et d'artiste peintre jusqu'en 1998, date à laquelle elle s'installe sur l'île de la Réunion pour s'adonner exclusivement à la peinture.

Natif de Montréal où il vit et travaille, François Vincent obtient un baccalauréat en linguistique en 1972 puis un autre en arts visuels en 1974 de l’Université du Québec à Montréal. Pionnier de l’estampe contemporaine au sein du collectif Atelier Circulaire, ses œuvres connaissent une large diffusion à travers le monde (Argentine, Canada, Espagne, États-Unis, France, Japon, Portugal). Récipiendaire du Grand Prix du Concours d’estampe Loto-Québec en 1990 et du Prix Jacques Cartier des Arts à Lyon en 1997, ses œuvres sont incluses dans plusieurs collections privées et publiques : Banque d’œuvres d’art du Canada, Banque Nationale du Canada, Loto-Québec, Musée national des beaux-arts du Québec et Musée d’art contemporain de Montréal. On retrouve également son travail dans certains lieux publics grâce au programme d’intégration des arts à l’architecture notamment à l’Institut de Cardiologie de Montréal et plus récemment au Centre de Recherche du Centre hospitalier de l’Université de Montréal. Au Québec, il est représenté par la Galerie Lacerte art contemporain.

Natif de Montréal où il vit et travaille, François Vincent obtient un baccalauréat en linguistique en 1972 puis un autre en arts visuels en 1974 de l’Université du Québec à Montréal. Pionnier de l’estampe contemporaine au sein du collectif Atelier Circulaire, ses œuvres connaissent une large diffusion à travers le monde (Argentine, Canada, Espagne, États-Unis, France, Japon, Portugal). Récipiendaire du Grand Prix du Concours d’estampe Loto-Québec en 1990 et du Prix Jacques Cartier des Arts à Lyon en 1997, ses œuvres sont incluses dans plusieurs collections privées et publiques : Banque d’œuvres d’art du Canada, Banque Nationale du Canada, Loto-Québec, Musée national des beaux-arts du Québec et Musée d’art contemporain de Montréal. On retrouve également son travail dans certains lieux publics grâce au programme d’intégration des arts à l’architecture notamment à l’Institut de Cardiologie de Montréal et plus récemment au Centre de Recherche du Centre hospitalier de l’Université de Montréal. Au Québec, il est représenté par la Galerie Lacerte art contemporain. < http://www.francoisvincent.ca/biographie/ >

Armée de son diplôme des Beaux-Arts de l'Université du Québec à Montréal, Corno prit la décision de faire carrière de peintre. Peu après, elle eut sa première représentation à la Galerie Clarence Gagnon à Montréal. Vers la fin des années 80, elle était devenue la chérie des collectionneurs montréalais et comptait parmi les artistes québécois les plus recherchés. Sa réputation s'étendit au reste du Canada et elle eut des expositions à Toronto, Ottawa, Calgary et Vancouver. Ses oeuvres furent présentées au Pavillon du Québec à l'Expo 86 à Vancouver, ce qui contribua largement à son essor. À cette époque, elle était représentée par la Galerie Yves Laroche et comptait de plus en plus parmi les artistes les plus respectés au pays. Fort de ces succès, Corno se tourna vers les États-Unis où elle fit son entrée en scène au Morgan Gallery à Boston et à l'Université de San Diego. Mais la ville de New York l'interpellait et elle y déménagea en 1992. Elle participa d’abord à des expositions de groupes et à bon nombre d'événements artistiques. Suivant dans les pas de Georgia O'Keefe et Salvador Dali, elle exposa chez Steuben Glass Gallery sur Madison Avenue à New York. Tout indiquait que le meilleur était à venir! Le nouveau millénnaire amena Corno à la Galerie Opéra à Soho qui commença à la représenter avec enthousiasme. En quelques années seulement, elle devint la plus recherchée de leurs artistes contemporains. Ses oeuvres figurent en permanence à New York, Londres, Paris, Venise, Monaco, Hong Kong, Singapour, Séoul et Dubai. Le succès international de Corno est phénoménal. Ses dichotomies fougueuses, son style nouvel expressionisme mariant des détails figuratifs minutieux ont une résonance contemporaine audacieuse. Son colori tout de brillo allié à ses textures intenses et ses coups de pinceaux généreux font tout pour chatouiller l'oeil. L’année 2009 est déjà complètement chargée. Avec une demande sans cesse croissante pour ses œuvres, Corno aura eu une importante exposition solo à Opéra Gallery Singapore au mois de mars, suivie de sa première exposition solo à Opéra Gallery Dubaï en avril. Un événement marquant de cette année est le fait d’avoir été choisie par le Festival International de Jazz de Montréal comme Artiste invitée alors que le Festival de Jazz célèbre son 30e anniversaire, ce qui coïncide avec le 30e anniversaire de la carrière artistique de Corno. Le Festival de Jazz a commandé une œuvre qui a été dévoilée à la mi-juin au lancement de la nouvelle Galerie du Festival. La Galerie AKA a eu son Vernissage du printemps en tandem avec cet événement prestigieux et en aura un important à l’automne. Durant l’été, la Galerie Thompson Landry à Toronto célèbre elle aussi un anniversaire en mettant les œuvres de Corno en vedette. Une autre importante exposition est prévue cet automne à la Galerie Opéra Londres. Ces expositions suivent une remarquable série en 2008. Elle exposa d’abord à la Galerie Opéra Hong Kong avec un succès sans précédent. Puis, ce fut au tour de Paris de l'accueillir avec Corno et Moz suivi de près par une exposition de groupe MADE IN NY où ses œuvres furent juxtaposées à celles des maîtres américains qui l’ont influencé dont Warhol, en particulier. Puis, la Galerie AKA à Montréal déroula le tapis rouge, et ensuite on la fêta de nouveau avec Roc-Roussey & Corno, une autre importante exposition à la Galerie Opéra New York. Cette montée internationale s'est faite par étapes. En 2007, Corno fut l'Invitée d'honneur au Fido Spot à Toronto où ses oeuvres furent projetées sur le plus grand écran numérique plein-air au Canada. Avant dela, son travail fut le point de mire de Luminato, le Festival des Arts et de la Créativité de Toronto en plus d'être exposé à la Galerie Thompson Landry. En 2006, ce fut l'ouverture de la Galerie AKA à Montréal qui représente exclusivement les oeuvres de Corno. Un événement qui ne passa pas inaperçu dans les médias de Montréal qui lui accordèrent la manchette aux nouvelles! Au début de l’année, Corno fut l'artiste invitée du Cirque du Soleil pour leur Première de Alegria au prestigieux Royal Albert Hall à Londres. De plus, ses oeuvres figuraient au salon VIP ainsi qu'au somptueux Roof Gardens aménagé de façon spectaculaire pour l'occasion, ainsi qu’à la Galerie Opéra Londres. Deux autres expositions à signaler : Left Coast Gallery à Los Angèles et la Galerie Opéra Hong Kong où elle fit des ravages. Des temps forts à noter en 2005 : une interview par le réalisateur Bernar Hébert, récipiendaire d'un prix Emmy pour son film L'Art du Nu qui fut lancé au Festival International des Films sur l'Art, puis diffusé sur les réseaux Bravo!, ART-TV, France 5 et Radio-Canada. Avant cela, lors de l’événement Massive Media Techno-Graffiti dans le quartier huppé de Columbus Circle et à Union Square à New York, l'art de Corno fut projeté au grand bonheur des new-yorkais et des touristes sur des façades entières d'édifices grâce à des technologies de fine pointe. En début d’année, Corno fut l'artiste invitée du Train New York Paris, un événement international de mode qui attire designers, conservateurs de musées, diplomates et célébrités, où elle créa une murale spectaculaire de 14 mètres. La liste internationale des musées, des corporations et des collections publiques et privées ne cesse de grandir sur plusieurs continents. En 2009, Corno eut l’honneur d’être nommée par MORE MAGAZINE parmi les 40 Femmes au-dessus de 40 ans les plus remarquables du Canada. Puis c’était au tour de Châtelaine de l’inclure dans le Club des 100 - 100 femmes qui marquent le Québec. À force de travail et de persévérance, Corno est dans une situation enviable. C’est pourquoi elle encourage les jeunes artistes à faire comme elle, à suivre leur rêve parce qu’il arrive que les rêves se réalisent parfois... < http://www.akagallery.com/fr/biographie.php >

Vivre sa passion! L'artiste peintre Corno est passionnée par la vie et par son art. L'éditeur de LeStudio1.com, Bernard Bujold, a été reçu par l'artiste à sa galerie (AKA) de la rue Crescent à Montréal (23 mars 2007). Corno lui a raconté son cheminement tout en se prêtant à une séance improvisée de photographie. Selon la peintre, elle est un succès parce qu'elle a travaillé pour réussir. Elle n'a jamais eu peur de foncer et de déranger. Même si ses toiles se vendent très chers et très bien, elle ne peint pas pour l'argent mais par amour de la création artistique. "Je ne suis pas riche car dès que j'ai de l'argent en banque, je la réinvestis dans des projets artistiques. Pour moi l'argent n'est pas l'objectif. Mais il faut vivre avec le sytème. Le marketing de l'art est très particulier. Il vous faut un bon produit mais à qualité égale, les acheteurs vont choisir le plus cher. C'est comme acheter une voiture sport. Personne ne voudra d'une Ferrari à 5 000$... Si j'offre une de mes toiles à Dubai pour 500$, elle ne se vendra pas mais si je demande 50 000$, il y a de bonne chance qu'elle attire un preneur. C'est le sytème qui est ainsi fait." Le succès de Corno n'a pas été facile. " Personnellement, j'ai 30 ans de métier en tant qu'artiste. J'ai quitté Montréal en 1992 parce que je voulais devenir une artiste internationale. À mes débuts à New-York, je dormais sur un simple futon. Au Québec, je venais quitter un loft magnifique. Mais j'étais convaincue de mon talent et j'avais une vision personnelle. Les obstacles étaient nombreux. Imaginez, je ne parlais même pas l'anglais. J'ai continuellement frappé aux portes des galleries de New-York jusqu'à ce qu'elles s'ouvrent. Puis, lorsqu'elles s'ouvraient, je cognais encore...." Corno a récemment aménagé dans un nouveau studio new-yorkais et elle prépare plusieurs autres projets dont une exposition à Dubai. Elle veut aussi peindre des toiles de très grand format pour des immeubles publiques. Le succès de sa galerie montréalaise la réjouit car elle aime beaucoup le Québec. La direction est assurée par Linda Corriveau, une amie personnelle de Corno depuis de plus de 30 ans. Corno expose aussi dans d'autres galeries aux États-Unis et en Europe. En art visuel, les peintres n'ont pas d'agents pour les représenter et c'est le système des galeries qui est d'usage, contrairement au secteur de l'écriture où il est devenu impossible de publier aux États-Unis sans un agent. La fille de Chicoutimi n'a jamais oublié ses origines et elle vient souvent visiter sa mère qui habite encore au Saguenay Lac St-Jean. Corno n'explique pas son succès, elle le vit. "Pour moi, le sommet n'est jamais atteint. Il y a des milliers de nouveaux sommets à atteindre. J'aime peindre et je veux continuellement dépasser mes limites. Tant que je vivrai, je serai artiste et pour moi le monde est mon univers." LeStudio1.com a décerné une mention à Corno dans la Galerie Les Meilleurs 2007 en tant qu'artiste par excellence. < http://www.lestudio1.com/Corno.html >

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L'amour est fou comme la rencontre fortuite d'un sèche linge et d'une pioche sur une table chirurgicale

Mario Bergeron fonde son atelier de peinture à la fin des années quatre-vingt. En parallèle, il poursuit ses études en design et en art visuel et complète sa recherche artistique en photographie et en histoire de l’art. Ses travaux sont rapidement remarqués et ont été primés dans divers concours nationaux de design : Canadian Fur Fashion Awards (1987) et Dubonnet-Design (1988). Ses œuvres font aussi partie de plusieurs collections publiques et privées au Québec dont celle de la Bibliothèque et Archives nationales du Québec. Il est également membre imprimeur-éditeur à l’Atelier Graff depuis 2007. Artiste multidisciplinaire, technicien de l’image, il s’intéresse aux composantes des multiples phénomènes de sociétés qui l’entourent et à leurs impacts sur sa pratique graphique et picturale. Je collectionne les images depuis mon enfance. C’est une façon pour moi de m’approprier l’histoire des autres et de consolider la mienne. Je me considère comme un chasseur d’image, comme l’archiviste d’un monde rêvé, comme une machine à voir. Peindre, pour moi, est une façon d’écrire avec des images et de communiquer. Le portrait demeure mon sujet de prédilection. Il est devenu, au cours des années, une sorte d’effigie emblématique, un moyen de réduire à sa plus simple expression les réalités parfois complexes et excessives qui m’habitent. Je ne veux pas que mon travail artistique soit envisagé uniquement comme une représentation de mon univers fantasmatique ou comme un moyen détourné de mythifier ma propre existence. Je souhaite plutôt que mes tableaux aient sur les individus l’effet d’un miroir déformant et qu’ils leur renvoient le reflet de toutes les fictions, les paradoxes, les distorsions et les ambiguïtés du monde qui nous entoure.

Martin Beaupré est né au Canada, à Québec en 1961. Il trouve son équilibre en associant art et énergie. Sa peinture est le reflet de son monde intérieur. Un parcours zen où se révèle la recherche de la beauté et de l'harmonie dans des tonalités feutrées, des compositions épurées et sereines inspirées de l'art Asiatique.